プラド美術館の新作展は、歴史的な写真を物語の中心に据え、カメラを道しるべとして、19世紀半ばから20世紀初頭にかけて、芸術家たちがどのように自身のパブリックイメージ、制作環境、そして視覚的な記憶を構築していったのかを解き明かそうとする。展覧会のタイトルは「カメラの前の芸術家の宇宙」。来場者は、画家や彫刻家を、彼らの絵画や彫刻作品を通してではなく、彼らの日常的な職業生活を捉えた写真を通して鑑賞することができる。
このプロジェクトは、単なる逸話的な展示ではなく、プラド美術館が所蔵する、増え続けているもののまだあまり知られていない歴史的写真コレクション（美術館で最も新しく、最も規模の大きいセクションの一つ）を活用しています。32点の写真を選りすぐって展示することで、写真の登場が、約80年という期間にわたって、芸術家の表現、アトリエの演出、そして創作過程の記録をどのように変容させたのかを探ります。
プラド美術館の中心部で開催される、美術と写真に関する展覧会
本展は、1850年代から1930年代にかけての美術と写真の関係を探究するものです。この時代、カメラは芸術家とその周囲の情景を捉えるための不可欠な道具となりました。来場者は、個人やグループの肖像写真、スタジオの様子、そして初期のスケッチからほぼ完成に至るまでの芸術制作過程の様々な段階を捉えた場面を目にすることでしょう。
焦点は有名人の顔を紹介することだけに留まらない。この選集は、アカデミー、個人スタジオ、即席の空間、屋外など、あらゆる場所が混在する芸術のエコシステムの真のビジュアルマップを再構築している。アーティストは厳粛なポーズをとったり、同僚とリラックスした様子で写ったり、作品に没頭したりしている。カメラはスタジオの雰囲気と、それを特徴づけるオブジェを捉えている。
これらの画像を19世紀ヨーロッパの文脈に位置づけることで、本展は写真がいかにしてアイデンティティと職業的地位を主張するための重要な媒体となったかを理解させてくれる。写真による肖像は、同僚、顧客、機関、そして一般の人々にとって名刺代わりとなり、ポーズ、服装、小道具が顔そのものと同じくらい雄弁に語る独自の言語を生み出したのである。
本展は、プラド美術館が継続的に取り組んでいる写真に関する活動とも関連しており、美術館の共有記憶としての写真に焦点を当てた近年の取り組みによって開かれた道をさらに発展させるものです。このように、本展は展示されているアーティストたちだけでなく、美術機関が写真をどのように自らの物語に取り入れてきたかをも明らかにします。
同時に、この展覧会は、これらの写真が、当時非常に有名だった写真家もいれば、無名の写真家もいる、プロとアマチュアの写真家たちのネットワークによって生み出されたものであることを強調している。彼らの視点、技術、そしてリソースが、ドキュメンタリー、商業、そして時には露骨な芸術的意図が交錯するモザイクを作り出している。
「オープン・ウェアハウス」プログラムとビジャヌエバ・ビルディングの60号室
本展は、プラド美術館の「オープン・ストレージ」プロジェクトの一環であり、通常は収蔵庫に保管されている19世紀の作品を展示することを目的としています。このプログラムは、ビジャヌエバ館60号室で開催されます。この部屋は、特定の芸術家、技法、またはテーマに焦点を当てた小規模な展覧会を開催するために設計された空間です。
2009年の開館以来、このギャラリーでは、ソローリャ、ロサレス、プラディージャといった人物に焦点を当てたモノグラフや、 19世紀に関連する技術的またはテーマ的な問題を考察する展覧会を開催してきました。こうした背景のもと、「カメラの前の芸術家の宇宙」展は、 「プラド美術館の増殖：共有された記憶としての写真」展に続く、プラド美術館所蔵の写真作品のみに焦点を当てた2番目のモノグラフ展となります。
「オープン・ウェアハウス」形式は、一般の人々が普段なかなか目にすることのない作品、今回の場合は貴重な時代物の写真プリントを鑑賞できる機会を提供するものです。これらには、名刺、立体写真カード、アルブミン写真、フォトタイプ、ポストカードなど、当時の社会や職業の場でアーティストがどのような存在だったかを物語る様々な資料が含まれます。
この取り組みは、多くの来館者が抱くプラド美術館に対する伝統的なイメージ、つまり絵画のみを連想させるイメージを覆すのにも役立っています。60号室における写真の存在感は、美術館がより広い視点から所蔵品を見直していることを示しており、19世紀と20世紀の解釈において、図版や記録資料の重要性が高まっていることを示しています。
このプログラムの最新版では、キュレーターのベアトリス・サンチェス・トリハが再び作品の選定と解説を担当し、歴史的データ、美的価値、文脈分析を組み合わせた解釈を提示する一方で、それぞれの肖像画に表れる人間的な要素を見失うこともありません。
肖像写真、習作、制作風景：カメラの前に立つアーティスト
展覧会の中心となるのは、アーティストを個人として、またコミュニティの一員として多面的に捉えた32点の写真作品である。公式な肖像写真、グループ写真、スタジオ写真に加え、モデル、中間段階の石膏像、完成度の異なるキャンバスなど、制作過程の細部に焦点を当てた写真も含まれている。
展覧会の冒頭を飾る作品の一つは、アンヘル・アロンソ・マルティネスのスタジオで撮影された集合写真で、2012年にプラド美術館が収蔵したものです。サン・フェルナンド王立美術アカデミーに所属する芸術家たちが、教授陣とともにポーズをとっている様子が写っています。切妻屋根を持つ、ガラス張りの広々としたスタジオは、こうした空間が制作、訓練、そして交流の場としてどのように機能していたかを物語っています。
訪問者は、ローマにあるマリアーノ・フォルトゥーニのアトリエのパノラマビューを堪能するために立ち止まることもできる。このアトリエは、継ぎ目がほとんど見えない2枚のパネルを並べて作られている。まるで珍品陳列室のようで、アーティストの趣味や創作へのアプローチを雄弁に物語るオブジェ、作品、布地、家具などが所狭しと並んでいる。
展覧会には、フェデリコ・デ・マドラソのマドリードのスタジオ、ルイス・デ・マドラソの工房、彫刻家アグスティン・ケロルと国立図書館のペディメントのために制作された芸術の寓意画の写真も含まれている。その他の写真には、ローマに滞在するスペイン人芸術家たち、アルハンブラ宮殿の黄金の間の中庭の様子、そして画家ハイメ・モレラとアグスティン・ラルディが料理人の格好をしているといった、よりリラックスした瞬間が写っている。
これらの写真からは、アーティストのスタジオが静かな制作の場であるだけでなく、人々が集まる場所であり、入念に作り上げられた舞台でもあったことがわかる。写真には、精巧でほとんど劇場のような空間から、イーゼルや未完成の彫刻、キャンバスの山が目立つ簡素な空間まで、あらゆる様子が写し出されている。
このコレクションは、19世紀後半において、写真スタジオを訪れることが社交的かつ職業的なイベントとなった様子を明らかにしている。都市部では、いわゆる「ガラス張りの小屋」が数多く出現した。これらは屋上や上層階に設置された明るいスタジオで、自然光を利用して画質を向上させていた。
訪問カルテからオートクロームまで: 写真技術とメディア
この展覧会は、図像的な内容に加え、2世紀にわたる写真技術の進化にも焦点を当てています。展示には、アルブミン印画、プラチナプリント、ゼラチンシルバープリント、厚紙プリントなどの作品に加え、鉄板やガラス板にプリントされた画像といった、あまり一般的ではない媒体を用いた作品も含まれています。
コレクションの中で最も印象的な点のひとつは、カラー写真が1枚だけ含まれていることである。それは彫刻家ミゲル・ブレイの立体オートクローム写真で、1904年から1910年の間に撮影されたもので、撮影者は不明である。プラド美術館が所蔵するカラー写真の中でも最も古いもののひとつで、2020年に寄贈された。20世紀初頭にリュミエール兄弟が特許を取得したオートクローム方式を用いて制作された。
この写真では、ブレイは屋外で植物を背景に寄りかかり、カメラを直接見ていない。これは、写真家との間に信頼関係があることを示唆している。作品に特別な照明を当てると、緑、白、肌の色が際立ち、アーティストと被写体の出会いに親密な雰囲気が加わる。
本展は、プラド美術館の歴史的な写真コレクションが、主に21世紀に入ってからの寄贈によって築かれ、1万点を超える作品から成り、現在も増え続けていることを強調している。その規模にもかかわらず、このコレクションは美術館の所蔵品の中でもあまり知られていないもののひとつであり、今回のような企画はコレクションの知名度を高める上で不可欠である。
フォーマットに関しては、個人肖像写真や大規模なグループ写真のための名刺判写真や「パリ」カードが豊富に存在する。また、より様式化された全身肖像写真のためのプロムナードカードや、アーティストのイメージが専門家のサークルを超えてどのように流通していたかを示すポストカードやフォトタイプも存在する。
注目のアーティスト：マドラソ一家からミゲル・ブレイまで
展示されている作品の多くは、19世紀から20世紀初頭にかけてのスペイン人芸術家のアーカイブから集められたものです。著名な芸術家としては、ルイス・デ・マドラソとフェデリコ・デ・マドラソ、ディオスコロ・プエブラ、セシリオ・プラ、ミゲル・ブレイ、アグスティン・ケロル、マリアーノ・フォルトゥニーなどが挙げられますが、一般にはあまり知られていない芸術家の作品も含まれています。
マドラソ家の物語は重要な位置を占めており、家族の書斎や象徴的な場所での集まりの様子を捉えた写真が数多く残されている。写真の1枚には、アルハンブラ宮殿の黄金の間の中庭で家族が写っており、ナスル朝の建築様式と、セシリア・デ・マドラソとその夫マリアーノ・フォルトゥーニをはじめとする写っている人々のくつろいだ様子が捉えられている。
彫刻の分野において、ミゲル・ブレイの存在感は特に際立っている。プラド美術館は、前述のカラーオートクロームプリントに加え、彼の彫刻作品を3点所蔵しており、今回の展覧会では、1904年に写真家フリオ・トーレス・ビバンコスが厚紙に貼られた紙にゼラチンシルバープリントを施した作品「スタジオでのエクロシオン」の写真も展示されている。作品の背面から珍しい遠近法で撮影されたこの写真では、正面からでは見落としがちな造形の細部を鑑賞することができる。
別の画像には、1900年のパリ万国博覧会におけるブレイの出展者カードが写っており、そこには彼の肖像写真が名刺判サイズで掲載されている。この資料は、写真がいかに公式な美術界に深く浸透し、国際的なコンクールや主要な文化イベントにおいて芸術家たちに寄り添うようになったかを示している。
このコレクションは、他の芸術家たちが様々な文脈で写っているスナップ写真で完成されている。例えば、彫刻家のアグスティン・ケロルが芸術の壮大な寓意像の傍らに立っている写真、画家ベンリューレが作家フェデリコ・ガルシア・サンチスと共に自身の工房で写っている写真、あるいはアルトベッリやモリンスといったローマの工房でスペインの芸術家たちが集まっている写真などである。
これらの事例を通して、本展は写真が画家や彫刻家にとっていかに頼りになる存在であったか、彼らの日常生活に寄り添い、依頼された作品を記録し、作品やそれを可能にした人々の記憶を保存するのにいかに役立ってきたかを明らかにします。
女性アーティストと画像における女性の存在感
男性像が圧倒的に多い歴史的背景の中で、本展は写真に写る女性アーティストの依然として少数派としての存在に焦点を当てている。工房やスタジオで撮影された大規模な集合写真には、女性クリエイターがほとんど写っていないことが明らかだが、個々のポートレートからは、一部の女性がこの職業に参入することに成功したことがわかる。
その顕著な例として、 1900年頃、パリのアトリエで撮影されたマリア・ルイサ・デ・ラ・リバの肖像画が挙げられる。41歳の彼女はパレットと筆を手に持ち、アマチュアではなく、生計を立てるために働くプロの画家として、何の気取りもなく描かれている。構図とポーズは、彼女の自立とキャリアを強調し、その地位を際立たせている。
また、画家フェルナンダ・フランセスも登場する。彼女はフェルナンド・デバスによって撮影され、 1875年から1883年の間に撮影された遊歩道のカードに写っている。このより様式化された全身肖像写真は、芸術家が学術界や展覧会の世界に受け入れられ始めたばかりの時代において、彼女が確固たる社会的地位を築いていたことを示している。
これらの名前の他に、展覧会にはセシリオ・プラとマヌエル・ゴンサレス・サントスの工房で学ぶ女子学生たちの写真も展示されており、一部の女性が正式な美術教育に参入し始めた様子を視覚的に示している。彼女たちは依然として少数派ではあったものの、写真に写っていることから、社会の変化がすでに始まっていたことがわかる。
対照的に、選ばれた32点の作品の中には、女性の署名が入った写真は一点も確認されておらず、コレクションのキュレーターはこれを重要な点だと考えている。作者不明の作品の中には、女性写真家によるものもある可能性は否定できないが、現時点ではそれを裏付ける研究が不足しており、女性写真家による作品という未開拓の研究分野が残されている。
写真の80年の歴史を技術的、歴史的に考察する
本展の対象期間は、1850年代から1930年代までの約80年間にわたる写真の進化を網羅しています。この期間には、技術的、商業的、文化的な変化が起こり、それが写真家とその環境の表現方法に直接的な影響を与えました。
写真術は黎明期において、不安定な現実を正確に捉える可能性を提供し、特にモデル、複雑なセット、あるいは大規模なプロジェクトを扱う人々にとって非常に価値のあるものであった。次第に、肖像写真は新しいメディアの主要なジャンルの一つとして確立され、アイデンティティの肯定や社会的威信の表現と結びつくようになった。
保存されている画像からは、ポーズ、選ばれた小道具、そして服装が、それぞれのアーティストについての視覚的な言説をどのように構築しているかがわかる。地位を高めるために絵画や彫刻に囲まれるアーティストもいれば、より簡素な舞台装置を好むアーティストもいる。また、写真家と共謀しているかのように、よりリラックスした態度で自らを表現させるアーティストもいる。
同時に、写真スタジオ間の競争は、フォーマットや表現方法の多様化を促した。名刺判写真や「パリ」カードは個人肖像写真の流通を容易にし、一方、大判写真や集合写真は、アカデミー、協会、専門家団体からの需要に応えるものとなった。
プラド美術館の展覧会は、技術史と社会史を、その多くが初公開となる作品群を通して統合的に提示しており、専門的な研究と分かりやすさを融合させたアプローチを採用している。来場者は、専門用語を習得する必要なく、これらの変化の流れを辿ることができ、それぞれの進歩の重要性を理解するのに十分な詳細が提供される。
この展覧会は、プラド美術館のビジャヌエバ館60号室で7月5日まで一般公開されており、美術史におけるあまり知られていない一章、すなわち、カメラがアーティストたちの味方となり、彼らがどのように見られ、記憶されたいかを決定づける手段となった瞬間を垣間見ることができる貴重な機会を提供しています。
『カメラの前の芸術家の宇宙』に集められた写真コレクションは、19世紀から20世紀にかけての芸術家の生活を複雑かつ繊細に描き出している。工房は舞台へと変貌し、芸術家たちはレンズの前で自己主張をし、技法は絶えず変化し、プラド美術館が公開する写真コレクションは、創造者のイメージが、乾板、ネガ、オートクロームだけでなく、筆や鑿によっても構築されていたことを示している。
